La Jetée réalisé par Chris Marker est un film intéressant avec plusieurs motifs et interprétations et à cause de ça, je l’ai aimé beaucoup. Même si le film est de science-fiction, il y a beaucoup d’aspects et de thèmes qui sont très réalistes. Après avoir regardé le film, je comprends que le film est une explication au sujet de la fausseté de l’obsession le mémoire et les personnes qui contrôlent les souvenirs. L’instigue du film est intéressant, mais le film utilise l’arrangement, le contraste entre le lumière et l’ombre, les plans gros et au contre plongée, et les accessoires d’expliquer une sen plus profonde et plus complexe. Pour le comprendre, on doit se plonger dans l’histoire et le forme ou, en outre mots, dans la spirale.

D’abord, le film commence avec les mots sur l’écran qui expliquent que le protagoniste est « marqué par une l’image d’enfance » Ce phrase présente l’élément le plus importante dans le film : une image. En fait, les images composent le film, littéralement. Les plans sont les images et les séquences sont les groupes d’images sans mouvement. C’est un style fragmenté qui symbolise le mémoire et les espaces entre les souvenirs. L’effet au début du film est presque comme un documentaire, mais on ajuste au style du film. Il n’y a pas le dialogue—seulement la narration et les sons étouffés comme les murmures et les sons du battement du cœur dans les moments dramatiques qui donnent l’illusion du mouvement. Le film décrit que le protagoniste est obsédé avec une image d’enfance au sujet d’un homme qui est mort et une femme belle à la jetée. Après le Troisième Guerre Mondiale, il habite dans un camp sous terrain. Les scientistes veulent lui utiliser pour le voyage dans le temps parce qu’il est torturé par l’image d’enfance. C’est une tache dangereuse—les autres sujets étaient fous à cause d’expériences. Les images dans le film sont noires et blanches, et ce style est efficace pour montrer le lumière et l’ombre. De plus, l’époque est ambiguë à cause du style monochrome. Les plans sont les gros plans, donc on voit les visages clairement—mais, pas complètement. Les personnages évitent le contact visuel, portent les lunettes, ou sont obscurés par l’ombre. Sauf que l’homme fou. Il fixe nous au regard aux yeux écarquillés, comme il nous voit et comprends que nous lui regardons, aussi. Le chef au camp porte les lunettes épaisses avec les verres foncées donc il peut regarder et recevoir les autres, mais les autres ne lui regardons pas. Quand le protagoniste voyage dans le temps, les yeux sont couverts par les bandages pendant que le scientiste lui regarde. Le scientiste lui donne un vaccin et le protagoniste voyage en temps, donc il contrôle les souvenirs du protagoniste. Le scientiste et le chef du camp sont filmés au contre-plongées beaucoup qui symbolise le pouvoir qu’ils ont au camp et sur le protagoniste.

La Moitié Manquante (Critique de « On voit mourir… » par Louise Labé)

Louise Labé était une grande poétesse française pendant le sixième siècle, et elle est plus connue pour montrer audacieusement une perspective féministe à la passion en regardant d’amour. Son sonnet VII (« On voit mourir… ») est un exemple d’une femme qui déclare son amour à son amant sans le réconfort que l’amant retourne ces sentiments, et ce sonnet est un appel osé à l’amant de retourner ses sentiments. Dans le sonnet VII, Labé indique que la réciprocité des sentiments entre les amants est nécessaire pour sentir complet parce que l’amour corporel est simplement une étape à atteindre un bonheur et sérénité spirituelle, mais l’amour unilatéral ou insatisfait cause la mort d’âme,

Au commencement, Labé a été inspiré pour ce poème par les philosophies de Platon et ses théories d’amour dans son œuvre Banquet. À cause de son inspiration, elle a utilisé un grand lien commun néoplatonicien qui ressemble à la dualité de l’amour dans le poème. Elle commence le poème avec les phrases « On voit mourir toute chose animée/Lors que du corps l’âme part: » (1-2). La première phrase montre un grand contraste entre le mot « mourir » et « animée » qui symbolise les hauts et bas des sentiments d’une femme amoureuse et crée un effet presque aguicheur car le contraste est vraiment dramatique. De plus, il y a un enjambement entre la première et deuxième phrase pour montrer son manque de clarté en regardant ses émotions et pour continuer le ton charmeuse. L’enjambement crée un rythme lent et possiblement ému. Ensuite, la deuxième phrase commence le premier exemple d’un lien commun platonicien : elle mentionne la dualité d’amour entre deux personnes en termes de corps et d’âme. Elle explique et clarifie cette idée par dire « Je suis le corps, toi la meilleure part » (3). L’idée du corps at de l’âme vient d’une idée de Platon et éventuellement l’écrivain Ficin qui veut dire que si l’amour entre l’amant et sa bien-aimée est partagée, l’âme de la bien-aimée habitera dans le corps de l’amant. C’est-à-dire que Labé parle à sa bien-aimée dans ce poème et elle souhaite qu’il s’aime. Elle utilise un peu de flatterie dans cette phrase aussi, quand elle utilise le mot « meilleure » parce qu’elle insiste à son amant qu’elle lui a besoin et elle se rebaissera pour lui convaincre. Malheureusement, elle montre que la réciprocité de ses sentiments ne sont pas clairs parce qu’elle demande à lui « Où es-tu donc, ô âme bien-aimée ? » (4). Donc, Labé ne se sent pas complet sans sa bien-aimée parce qu’elle est comme un corps sans une âme. Son impudence avec ses sentiments présent un change féministe à la tradition pétrarquiste. Comme les hommes qui utilise ce style dans le genre Renaissance poétique, Labé est audacieuse et séduisante pour attirer son amant. 

Ensuite, le lien commun continue dans la deuxième strophe, mais cette strophe est plus urgente que le premier, mais charmeuse encore. D’abord, elle répète le son de « p » et « t » pour créer un rythme dans la strophe. Labé parle à sa bien-aimée dans l’impératif trois fois pendant cette strophe qui s’indique qu’elle supplie à sa bien-aimée pour son amour avec beaucoup de passion et amour elle-même. De plus, elle utilise plusieurs enjambements qui suggèrent un ton aguicheur, mais un peu soucieux sous le surface. Par exemple, elle dit « Ne me laissez par si long temps pâmée/Pour me sauver après viendrais trop tard » qui veut dire qu’elle veut amadouer l’amant de partager ses sentiments avec elle, mais de plus, elle veut se libérer des mauvaises émotions du rejet et de la solitude (5-6). Elle lui a besoin de se compléter et se rendre contente.  Elle souligne l’importance du corps et d’âme encore parce qu’elle supplie «  Las, ne mets point ton corps en ce hasard:/ Rends-lui sa part et moitié estimée » (7-8). Ces deux phrases représentent l’importance de la réciprocité de l’amour parce qu’il y a un relevance cosmique. Selon le néoplatonisme, si l’âme de la bien-aimée et le corps de l’amant n’unissent, l’âme de l’amant mourra. Donc, c’est vraiment sérieux à Labé de recevoir l’amour de sa bien-aimée, parce qu’il choisit une autre femme, l’âme de Labé sera détruit par la tait tristesse.

Enfin, les deux strophes derniers du sonnet ont trois lignes en totale. Labé continue d’utiliser les mots avec les tons qui contrastent en termes de positif et négatif. Donc, il y a un contraste avec ses émotions encore. Au lieu de supplier à sa bien-aimée, Labé encourage sa bien-aimée de faire qu’il est « dangereuse » et que « cette rencontre et revuë amoureuse » (9-10). Il y a un peu d’espoir que sa bien-aimée ferra ses demandes. Dans la dernière strophe, elle contraste les mots « rigueur » et « amiable » pour  montrer que l’amour est merveilleux au lieu de triste quand il est mutuel. Quand elle dit « …me rende ta beauté », elle fait un autre référence à Banquet de Platon (11). Il y avait une autre théorie d’amour qui insistait que l’amour physique c’était seulement le commencement. Puis, on voit la beauté dans les autres, on voit la beauté intérieure d’amant, et finalement, on voit la beauté générale d’univers et de la divinité. Donc, le mot « beauté » est vraiment chargé avec sens. Pour Labé, d’être considéré comme la beauté de son bien-aimée veut dire elle et sa bien-aimée peuvent voir la beauté intérieure et extérieure de l’un l’autre et du monde. C’est-à-dire qu’il y a l’harmonie et l’unité divine avec le corps,  l’âme, et l’univers.  Labé finit le poème par continuer l’enjambement longue qu’elle a créé et elle dit « Jadis cruelle, à present favorable » (12). La phrase présente les contrastes encore pour montrer que l’amour peuvent changer du malheur au bonheur vitement, en particulièrement quand on ne réponde pas initialement. Mais quand les deux amants sont unis, il y a la stabilité.

En bref, Louise Labé a présenté beaucoup d’idées contemporaines, comme l’humanisme et le néoplatonisme, dans son sonnet VII. En outre, ce poème en générale montre l’application féministe à la tradition pétrarquiste : Labé crée un poème où elle utilise la séduction de persuader l’amant de s’aime ; elle est audacieuse avec ses sentiments amoureux. Elle insiste dans le poème que l’amour causera les sentiments vraiment polarisés, particulièrement s’il y a un doute de la réciprocité. Elle indique que l’amour mutuel est vraiment nécessaire d’être un humain complet, harmonieux, et éclairé dans les sens corporels et spirituels, donc elle sera effrontée et séduisante avec ses efforts pour lui persuader de dévoiler qu’il s’aime.